GEOMETRIE VARIABLE

MISERY AND LOVE - JACOBS HOLDT

Jacobs Holdt a été vagabond pendant cinq ans, c’est aujourd’hui un photographe danois un peu fou et fasciné par la généalogie, prêcheur contre le racisme. Il semble, ce qui est un peu absurde, ne pas encore  avoir fait l’objet d’exposition.  Crues et tendres, ses photographies nous font pénétrer dans les coulisses de l’American Way Of Life, espace onirique et cinématographique par excellence. Contemporain et lointain à la fois, son univers se situe quelque part entre Stephen Shore, Alec Soth, et Boris Mikhailov. La rudesse de certaines images n’est pas non plus sans évoquer le travail sur l’identité de Jeffrey K. Silverthorne. Les fresques dépeintes sont de puissantes amorces narratives tout en restant ancrées dans une certaine volonté naturaliste, presque proche du documentaire. Ses photographies fourmillent de références comme autant d’hommages amoureux à la photographie, pourtant il reste évasif à ce sujet, prêtant à son travail une portée plutôt politique.

Ses photographies sont traversées de fulgurances, on s’embrasse, on saigne et on prie. Les intérieurs précaires ressemblant davantage à des amas de déchets tout droit pondus d’un gargantuesque centre commercial. Subtilement remodelés par l’obscurité, ses volumes au bord de l’effondrement, successivement effrités par le vent, et gonflés par la pluie, prennent une dimension quasi sculpturale. Plus qu’une description purement sociale, ces espaces en démantèlement créent le trouble, interpellent l’imaginaire.
Une succession de portraits-stéréotypes de l’Amérique déchue s’entrechoquent dans la publication de son très beau catalogue United States 1970-1975. Les personnages sont réhabilités avec justesse, Jacobs Hodt ne se limitant pas aux clichés symboliques d’une réalité économique vue et revue. Une palette de prostituées, Ku Klux Klan, desperate housewives, Cadre moyen désespéré, ghetto-kid, cowboys désenchantés, transsexuels, nazis, starlettes, policiers, couples s’échouant sur leur lit, se suivent dans différents paysages.
De nombreux portraits sont saisissants. Une petite fille devant un lave-vaisselle, dont la blondeur des cheveux n’a d’égal que la pâleur inquiète du visage, se lève, légèrement tendue, dans une cuisine moderne et parsemée d’ombres. Elle n’est pas sans rappeler le petit garçon privilégié et solitaire que Phillip Lorca Di-Corcia met en scène dans une de ses photos. On peut parler également du visage d’un homme, surgissant de l’obscurité et soudainement empreint de mélancolie, comme ébranlé. À l’intérieur de son visage vient se loger cette étrange tension qui nous raconte que quelque chose d’insoutenable se passe en lui, et que nous y assistons. Comme dans les travaux de Mary Ellen Mark, les enfants sont des individus-héros, auréolés d’innocence, ils portent en eux la tristesse sidérante de leur avenir trouble, mais également une forme d’espérance. On peut encore évoquer l’image d’un grand-père, vivant dans une petite cabane, probablement aux abords du Mississipi. Il fume nonchalamment une cigarette. Le vieil homme, tout de lambeaux vêtu, semble malgré lui afficher une invraisemblable élégance, que même la mort ne lui dérobera pas. Comme chez Nan Goldin, le dénuement s’exprime non seulement à travers ces corps alanguis et tourmentés, mais surtout grâce à l’incroyable intensité des regards qu’il happe, quelquefois d’une frontalité à toute épreuve. C’est là où se niche l’intimité la plus profonde et la plus délicate à cerner, et où se situe son réel talent, virtuose d’avoir réussi à attraper cela.

Jacob Hodlt s’inscrit très clairement dans la grande tradition de la photographie américaine à la teinte argentique et vibrante, il porte en lui un certain nombre de conventions. Comme Gus Van Sant, en génie du cadrage, il cerne les choses dans des compositions magistrales, avec une incroyable justesse, qui convoque une beauté singulière.

Sur son site, on peut retrouver un ensemble assez fourni de ses œuvres, une présentation graphiquement fort laide qui est loin de mettre en valeur ses photos, mais on peut y reconnaitre une configuration originale, comme un outil de promotion donc. Véritable pied-de-nez aux institutions, Jacob Holdt reste un personnage de hippie mystérieux qui enferme malheureusement dans un discours prédéfini un travail qui regorge pourtant de multiples possibles, qui laisse complètement rêveur.

Jacobs Holdt, United States 1970-1970

Steidl Gwinzegal Edition

Anna S.

ELIZABETH PEYTON GLADSTONE GALLERY

“Il y a des fleurs partout pour qui veut bien les voir”, Henri Matisse.

Elizabeth Peyton ne triche pas. Sa peinture a le caractère le plus moderne de l’art, celui qui fait la différence entre l’artiste qui se contente absurdement d’expérimenter et celui qui, de façon tout à fait passéiste peint dans “les règles de l’art”, Peyton est sensiblement à mi-chemin.

Lorsque Manet peint son “Déjeuner sur l’herbe”, il révolutionne les codes de la peinture. Que font ces gens dans ce paysage incongru? Deux hommes vêtus, l’un d’un complet, l’autre du traditionnel habit d’étudiant en médecine, discutent avec une femme dévêtue, tandis qu’une autre ramasse, ou se baigne dans le ruisseau en arrière plan. Une corbeille de fruit est nonchalamment renversée, mais rien ne fait sens, cerises et pêches, les saisons ne concordent pas. Scène surréaliste pour la peinture d’autrefois. Ce “Déjeuner” est en réalité une interprétation d’une partie d’une gravure d’un dessin de Raphael, “Le Jugement De Pâris”. Manet est allé puiser dans les grands maîtres de la peinture pour créer une nouvelle façon de peindre, et une nouvelle conception de l’art. Eh bien Elizabeth Peyton en fait de même. Elle est visuellement une version féminine et romantique de Matisse, portraits intimistes et natures mortes sont doucement balayés de couleurs pastels, de bouquets de fleurs, de beaux personnages. Sa “romantic touch” est d’autant plus extraordinaire quand elle mélange gracieusement ceci avec des figures modernes et souvent rock and roll. Jarvis Cocker, Pete Doherty, Carl Barat, Kurt Cobain, Sofia Coppola et beaucoup d’autres ont étés immortalisés par elle. Les portraits sont incroyables, car reflètent minutieusement l’univers de chacun.

Peyton ne prétend pas révolutionner l’art, ou signifier quelques thèses prétentieuses, elle se contente d’attraper l’air du temps, de le figer ou même encore de le magnifier à sa façon. L’exposition comporte essentiellement des dessins, qui sont souvent les premiers frissons de ses futures toiles. Ils sont élaborés techniquement d’une façon tout à fait personnelle puisqu’elle traite en premier lieu les détails afin d’avoir une idée assez précise dès le départ. Ce qui permet de mettre certains accessoires ou certaines expressions tout aussi en avant que le personnage même.

Elizabeth Peyton est incontestablement une des artistes qui marquera notre siècle de part sa façon unique de recycler la peinture “classique”, et de lui redonner une dimension intemporelle. Sa touche à la fois passéiste et contemporaine fait d’elle l’artiste “d’aujourd’hui” par excellence.

20 Nov - 23 Dec, Gladstone Gallery

Charlotte B

DESPERATE PHILOSOPHERS

Erwin Wurm at Xavier Hufkens (Bruxelles)
29 October – 3 December 2009

Dans une plastique pop et ronde, le plasticien viennois fait jaillir l’improbable. Immédiatement, le drame devient gag, et inversement.

Il restitue avec humour des situations délicates et angoissantes, comme l’échec, le ridicule, ou la peur. Une maison fond comme un vieux yaourt périmé, pendant qu’un homme s’étouffe avec une banane, plus loin encore, dans un coin, comme puni, une paire de jambe attend tristement quelque chose… Il nous présente des corps boursouflés, aplatis, difformes … de toute évidence malades.

L’artiste scelle des personnages mal en point, dans des positions alambiquées à la limite de l’accident, complètement coincés. Cependant les sculptures flirtant avec un design bien propre, lisse, on a tendance à perdre cette forme de dépouillement, que pouvait posséder la série de “one minute seconde”, pour devenir un objet d’art contemporain plus académique. En effet, l’artiste abandonne la précarité d’un matériau tel qu’un pull-over, pour des moulages de plastique tip-top parfaitement produits.

L’exposition elle-même semble un peu amputée, des photographies ou des vidéos auraient sans doute contribué à rendre l’espace plus vivant. Le spectateur n’est pas frontalement confronté à l’aspect joueur et ironique de son travail. Une exposition intéressante, mais cependant sans effraction, sans danger.

Anna S.

OLIVIER ZAHM PRESENTS HIS FIRST EXHIBITION AT HALF GALLERY

DECEMBER 1-JANUARY 2, 2010
Opening reception: TUESDAY, DEC. 1, 6-8 PM

Olivier Zahm of Purple will present his first exhibition in the Lower East Side at Half Gallery. Spending his time between New York and Paris, the man behind Purple Fashion magazine has published, in Purple Diary, pictures that read like a guide to some of his favourite places : the Montana, the brasserie Lipp, and the Café de Flore in Paris, Standard hotel and the Omen restaurant, among many others, in NYC.

His diary develops an imagery which transcends the original magazine. Thanks to the new digital support, Zahm’s life is now the very material of this new medium. In this sense, his site is like some sort of immaterial ID card of the artist, as it chronologically reveals what he is producing and with who, as well as the creative process at work.

Through the representation of a specific microsom and its codes, he paints a dense social fresco, a fictional document appropriate to the end of the 00s. Always navigating between private sphere and public sphere, he’s purposely getting us lost through a maze of multiple indications that only reveal the surface, elegant and opaque. It all leads to his obessional paths : bodies of naked and tantalizing women, socialite life, architecture and contemporary still lifes.

An autofictional picture as a matter of fact, disclosing a form of romanticism and mania that show as much in his luxurious approach to aesthetics as in his view on intimacy.

Pierre-Alexandre M

MORRISSEY IN BRUSSELS

“A punctured bicycle, on a hillside desolate. Will nature make a man of me yet? When in this charming car, This charming man…”

Alors que les premières notes de “This Charming Man” retentissent, Morrissey apparait, et sa voix est subjuguante, elle nous happe brutalement. On ressent la même chaleur, la même cruelle mélancolie, et le concert devient addictif. Il faut savoir savourer sa délicate présence, car elle ne dure guère. Ses brillantes paroles en témoignent, elles sont ponctuées, parsemées de fragiles instants de lucidité, mais livré avec tant de cynisme et d’élégance, lors de “Cemetry Gates” notamment:

“A dreaded sunny day, So I meet you at the cemetery gates, Keats and Yeats are on your side, While Wilde is on mine. So we go inside and we gravely read the stones, all those people all those lives where are they now? With the loves and hates and passions just like mine, they were born, and then they lived and then they died, seems so unfair, and I want to cry”

Si cruel et si bon, ces répliques sanglantes font de Morrissey non seulement un compositeur unique, mais un parolier et poète. Il a les gestes d’un chanteur d’opéra, la beauté d’un apollon et la classe d’un dandy, on ne peut que succomber à lui, il enchaine les chansons, chaque moment est d’une beauté frappante. Il raconte une histoire fumeuse dans la chambre d’hôtel de Marianne Faithfull, où chapeaux et vestes d’hommes côtoient whiskey et cigarettes. “How Soon Is Now” est l’apogée du concert, les premiers riffs de guitare nous plonge dans ses tourments, “I am human and I need to be loved, just like everybody else does”, mais qui sera à la hauteur d’aimer Morrissey?

Il nous tient en haleine tout le long de la soirée, jusqu’au moment ou violement, il nous quitte. Nous laissant seuls, seuls après nous avoir doucement tenus la main et qui sait si nous le reverrons? Aujourd’hui il est très dur d’écouter les Smiths ou Morrissey sans ressentir l’envie de le voir, de caresser son visage et de lui dire “thank you, and I love you”.

Charlotte B

PAUL MCCARTNEY "GOOD EVENING PARIS"

Picture by Linda McCartney

The legendary Paul McCartney will be on stage in Paris for a special “Good Evening Paris” date. Part of the “Good Evening Europe” tour, starting in Hamburg, closing in London, a nod to his career with The Beatles. In the early 60’s, the Fab Four have spent a few wild rock and roll years in Hamburg, then back in London became pop idols.

As usual, Paul will play Beatles songs such as “Drive My Car”, “Hey Jude”, or “Let It Be”, but also Wings and solo hits. Spreading love all around Europe, France will be glad to welcome him again. A very special and emotional event for Paul McCartney and Beatles fans, but also the occasion of seeing live the greatest composer of all time.

10th December, Bercy.

Charlotte B

ASPHYXIE & CITY

Première exposition de Jordi colomer en belgique chez MSSNDCLRCQ, cet artiste s’intéresse à la pression du devellopement urbain sur l’humain.

Il réalise une belle vidéo qui questionne l’architecture et la dimension de pur décor qu’elle peut parfois prendre. En effet cette vertigineuse ballade dresse un portrait aerien d’une banlieue de Mexico qui s’étend de façon tentaculaire. Les « maisons GEO», qui sont bâties à l’identique sur un modèle à deux étages deviennent un motif qui se répètent frénétiquement. Elles sont si semblables et anonymes qu’elles apparaissent pratiquement comme quelque chose d’irréel, une création 3d, un mauvais rêve… On éprouve alors un espace oppressant, la ville s’engouffre dans sa propre répétition. Les habitants sont réduit à l’état de playmobiles. Les bruits accompagnant les images, plutôt réalistes, et légèrement stridents, sonnent comme un ronronnement sourd, un chaos qui sommeille.

Anna S

SEMPER IDEM

Pour la réouverture de son immense galerie, Almin Reich propose la première exposition personnelle d’Aaron Young en Europe. Des matériaux urbains et agressifs sont à l’honneur: verre, ciment, caoutchouc brûlé, barbelés, pour une ambiance plastique cohérente, à la fois rugueuse et froide. Sur d’immenses plaques de verres, on peut lire des slogans comme GangBang, Kill your idols, etc. Ces messages sont également gravés dans des blocs de pierres à la façon d’un rituel adolescent. Une immense toile abstraite dominée par le noir et le bleu se dresse au fond, brutale, mais pas inexpressive. Brisant un des murs, on peut également apercevoir un poing rose métallisé et agrandi au chiffre d’or. À l’intérieur de l’espace, l’artiste californien n’hésite pas à exercer une forme de cruauté à l’égard de ses matériaux, il utilise pour ses toiles des motos comme des pinceaux. En l’occurrence c’est le sol de ciment nouvellement refait et pas encore sec  qui est recouvert par des marques de pneus dessinant d’immenses courbes de goudrons-peintures comme si une bande de motards fous furieux étaient restés coincés à l’intérieur du lieu, tournant désespérément en rond, se cognant de toutes parts. À la façon de Dan Colen, Aaron Young pose ses oeuvres à même le sol, savamment coincées par des bouts de chewing-gum simulant un certain “jemenfoutisme”.

Cependant de cet univers rock’n roll, on retient surtout un professionnalisme et une rigueur - en effet, il y a peu de dérapages. Malgré l’action-painting supposée, les choses paraissent figées. Ce jeune artiste de la Lower East Side loin d’être excessivement destroy répond soigneusement à l’image qu’on présuppose de lui. Cette exposition parfaitement calibrée et bling-bling, dressant le parfait inventaire de la badboyattitude 2009 sonne un peu fake mais pas assez radicalement pour qu’on puisse croire que ce soit un élément constitutif du projet. Une exposition malgré tout intéressante car elle interroge le monde de l’art,  et crée des doutes.

Anna S.

www.alminerech.com

DAVID LINDWALL ITW

At 24, David Lindwall had no right to be bored out of his mind. He got paid to DJ at fashion parties, modeled—even though he’d survived some flesh-eating disease, lived in Hollywood and worked for Swedish menswear company J Lindberg.A young and naive Lindwall had told Johan Lindberg he could throw a party ten times better for half the money and somehow that worked. He could but now his associates were the same people who threw shit parties, so Lindwall wanted out. He always believed that “fashion, hip-hop, power, rock ‘n’ roll” were one and the same thing.

First off, he fantasised, wasted time, surfed the net and watched conspiracy theory films on YouTube. Then he found a site he could deal currencies on, turning a web obsession into a money making hobby, and started to read-up on the world to figure out which way to bet on the dollar that day. Duly freaked out and confused, worried about the world, the corruption, his place in it, and the route to happiness, he started painting. Then the paintings dealing with the US government became T-shirts dealing with some pretty unique themes: our over abundance of freedom, the fear of time and unborn babies.

exctracted from ww.vice.typepad.com

GV : At a time where we more and more do away with limits with internet for exemple, what is your definition of the “underground”?

DL : “the massive influx of impressions is so great; surprising, barbaric, and violent things press so overpoweringly
—“balled up into hideous clumps”—win the youthful soul; that it can save itself only by taking recourse in premeditated stupidity.”-Friedrich Nietzsche

I personally don’t like looking at others, I guess you can call that narrow minded or also I suppose “underground”, the word in itself has a bad ring to it, “We got this project and it’s really underground”, I  for one would not take 5 min to look at it, same with words like “cool”, the thing that so many people spend so much time wanting and striving for - resulting in what?

I try to put a filter on things as much as I can, I don’t watch or even own a TV, I watch movies I pick, I read books and magazines that I choose to read, I listen to music that I want.

I don’t know what “Underground” is any more, I think I did a couple of years ago, but now days, I dunno, the closest to “Underground” for me right now is none-fame, none-exposure, doing something for a limited audience - (and not expect mass consumption to be the ultimate measure of success).

GV : In your sense, can we be both punk and capitalist?

DL : I think we can draw influence from more than one culture/social group, so yes.

GV : Your aesthetic is quite “avant gardiste”, kind of austerity, your images work in a very independent way, why did you choose to deal with fashion?

I got no ambition about to be a trend, I’m the big black square block above trends - something solid. My ambition is to build something that is always good, something to always relay on, when every-one/thing else fails there is a steady stream of quality and trust in what I do (Or at least I live in that faith). Fashion came natural to me and it’s something you can laugh at and take very serious all at once.

Over all I dislike the whole “fashion” industry. MEDIOCRITY in print, on the catwalk, on TV, on the internet. When I think of fashion I think of a small number of people putting out their believes, visions, images that they truly believe in (with a variable amount of followers). (Again mass consumption/following is not success)

HONESTY towards it’s own feelings and thoughts.

GV : How do you work for your collections?

I sit down and turn everything off, and have a think, without any disturbance, for a while, just some paper and a pen. Then I go to my studio (same room, it just sounds bigger) and put on loud music and try to compress all those thoughts into designs. This I guess would be a typical day for me, and then I do the same thing again the day after, and the day after that…….Oh and a lot of coffee… - Until I feel like it’s all coming together, the message is there, the balance and the chemistry and that I believe in what I’ve done, does it feel right to me.
Then I print it, paint it, sketch it all out and hang everything on a big wall, still listening to the same play list - loud!
Then I always feel like something is missing and I go back and do some more stuff and pull some stuff off the wall, then I do that until I realize that if I change my mind one more time there wont be anything in any stores unless I finish this off for tomorrow morning, and then I sit up all night long and put everything together and finish the collection- THE END.

I am a one-man-machine-brand I do everything myself, packaging, website,  photos, look books, invoices, printing, and I don’t really trust anyone to help me out so that’s just the way things work.

GV : Black metal is seen as a quite autistic and secret kind of music, as for you, what does it bring you?

DL : Light in the darkness

GV : More generally what do you listen to?

DL : I listen to things I don’t understand, for that very same reason.
I like aggressive music, high energy with a straight clear pure fair thought behind it - GENUINE.

GV : You develop a contemporary Gothic aesthetic, anarchistic and refined, that we can also actually find into the work of many artists  who are the ones that inspire you the most?

DL : I just sit in my bedroom all day long doing nothing so I guess that’s what inspires me - lot’s of SEX.

GV :Besides fashion, do you also create?

DL :The answer above is not completely true, I do other things than have sex with my girlfriend all day long, cause she’s off to work and then I’m left at home alone……
Like right now, I’m making some kind of couscous lunch, finishing a painting and writing this interview,

GV : Among all the fashion designers, who are your favorites?

DL : I like a couple of designer, but I think the question should be why do I like them,
the difference of opinions within each fashion house is so important to me, it’s like putting together an outfit - together makes perfect.

GV : Do you consider fashion designers as being artists ?

DL : Well looking at definitions of:
Art n.representation, illustration, abstraction, imitation, modeling, description, portrayal, design, performance, sketching, molding, shaping, painting, characterization, creating, sculpting, carving
Judging from this I’d say that fashion is an art form - and I hate everything…

NUDE, BRUISED AND BEAUTIFUL. BEAU OUI COMME BOWERY

Styliste aux créations à la fois loufoques et inquiétantes (l’ombre de la torture SM plane sur leur hédonisme provocateur), clown sans tabous, Leigh Bowery trouve, entre deux performances, le temps de faire la pop star avec son groupe Minty, ou le modèle pour le peintre Lucian Freud. En 1994, il a trente-trois ans, et mène une vie d’artiste survoltée. Mais l’histoire s’arrête pour lui juste avant que l’année finisse : le 31 décembre, il meurt du sida dans un hôpital londonien(1).

Deux jours plus tard, dans la nuit du lundi 2 janvier 1995, les Blacklips s’empressent de lui rendre hommage en montant leur spectacle du Leigh Bowery Memorial. Collectif qui regroupe une quinzaine de drag queens, le Blacklips Performance Cult officie tous les lundis à New York, dans l’East Village, au Pyramid Club, 101 Avenue A. Pour les Blacklips, c’est d’ailleurs bientôt la fin de l’aventure : début mars ils se séparent et s’éparpillent dans la nuit new-yorkaise, mais ce 2 janvier ils possèdent la réactivité nécessaire pour un hommage au pied levé.

ANTONY ET JOHANNA A LA MATTHEW MARKS GALLERY

Pourtant ces images récemment diffusées sur YouTube ne sont pas prises à l’occasion de ce show afterhours du Pyramid mais quelque sept mois plus tard, le 5 juillet 1995, lors de la soirée de performances intitulée Nude, Bruised and Beautiful. L’événement se déroule à Chelsea, à la Matthew Marks Gallery, 552 West 22nd Street. La galeriste Tanya Bonakdar organise ce show en parallèle avec l’exposition collective intitulée Leigh Bowery. A Tribute Exhibition qui se tient au même moment dans sa propre galerie située alors à Soho, 130 Prince Street. L’exposition présente des photographies et des vidéos où le performer apparaît à travers le regard qu’ont porté sur lui Nick Knight, David Swindells, Fergus Greer, Peter-Paul Hartnett, Angus Cook, Bruce Bernard ou Charles Atlas.

Ce soir du 5 juillet, le sombre Ron Athey ainsi que des créatures flamboyantes du New York gay underground telles que Lady Bunny, Billy Beyond, Tabboo !, Chi Chi Valenti, Dancenoise ou Dr Aurora Picklewitch, se succèdent sur scène. Parmi les artistes invités, se trouvent aussi trois membres du Blacklips Performance Cult qui donnent ce soir-là une performance très différente de celle du Pyramid : on assiste au numéro de Flloyd, élément très actif de la compagnie, ainsi qu’au duo d’Antony et Johanna Constantine. Amis depuis les années de lycée en Californie, tous deux se sont retrouvés à New York et ont fondé les Blacklips. Sur une bande-son pré-enregistrée par leurs soins, ils livrent leur version de Stand by me, le standard de Ben E. King. Ils font le pas de deux et Antony qui fait résonner sa voix si étrange offre au public sa présence mélancolique, hésitante, presque détachée, bien loin de la frénésie de Bowery.

Quant à Johanna qui lui donne la réplique, elle entre assez peu dans l’esthétique de l’énergumène australo-londonien : elle a déjà trouvé son terrain de folie à elle, son propre grain scénique, sa parure personnelle. Habituellement, elle préfère danser et faire danser, comme DJ, mais ici elle parle et surtout, chose rare, elle chante.

Quatorze ans plus tard, en 2009, on peut la voir, fidèle à elle-même en deer monster, sur le clip « Epilepsy is dancing »  réalisé par les frères Wachowski pour le single extrait du troisième album d’Antony and the Johnsons, The Crying Light. Et en première partie de la longue tournée effectuée par le groupe pour la sortie de l’album, elle donne sur scène une longue performance solo (voir dans GEOMETRIE VARIABLE le compte rendu du concert au Bozar de Bruxelles par Anna S).

Il est à noter qu’en 1993 Leigh Bowery s’est rendu à New York pour une performance à la fois au Wigstock Festival et au Jackie 60, le club de Chi Chi Valenti que, pour s’y être souvent produit, Antony connaît bien. L’un se trouve alors au sommet de sa gloire, l’autre débute. Ils ne se rencontrent pas.

Après les hommages de 1995, Antony va de nouveau croiser l’histoire de Bowery avec Taboo, comédie musicale à succès qui tire son nom du night-club lancé en 1985 à Londres, à Leicester Square, par Leigh Bowery qui longtemps s’y adonne à ses excentricités. La comédie musicale, créée en Angleterre en février 2002, évoque l’effervescence des nuits londoniennes des années 80 et se cristallise autour des deux figures alors en pleine ascension de Boy George et Leigh Bowery. Sur scène, Boy George interprète non pas son propre rôle (vingt années ont passé) mais celui de Bowery, qu’il fréquentait beaucoup alors.

Lorsque le spectacle est adapté pour le public américain, Antony participe au projet et se prépare un temps, avant de renoncer, à relayer Boy George dans le rôle du styliste. Cette nouvelle version de Taboo montée en novembre 2003 à Broadway fait un flop et quitte vite l’affiche. Toutefois l’événement donne à Antony l’occasion de faire la connaissance de l’ex-chanteur de Culture Club, son aîné et son idole de jeunesse qui dès 1983 lui a donné le désir de s’envoler en bird girl. Il l’invitera un peu plus tard à devenir sa sœur, le temps d’une chanson.

Nude, bruised and beautiful. Pour ces trois colosses cabossés, Leigh, George et Antony flanqué ou non de sa muse, la lumière vient par intermittence, avec des retards, des éclipses, des éclairs, des fins furieuses et des renaissances incertaines. Par l’admiration, le côtoiement ou l’hommage, un peu de cette lumière se transmet de l’un à l’autre en un éclat chaque fois différent. Ce n’est pas encore fini.

(1) Il apprend dès 1988 qu’il est séropositif, et garde l’information secrète quasiment jusqu’à la fin, jusqu’aux derniers jours.  

Merci à Flloyd et à la Tanya Bonakdar Gallery.

Voir sur DailyMotion le documentaire de Charles Atlas  The Legend of Leigh Bowery , (Arte France-I.N.A., 2001, 59 mn), et sur YouTube la performance de Flloyd « His name is alive », lors de la soirée à la Matthew Marks Gallery, ainsi que la chanson de Boy George « Il adore » (version acoustique) consacrée à la mort de Bowery.

Jérôme Solal

CANNES FESTIVAL PALMARES

It is the end, after 10 days of festival , the verdict came. And  the palmares of Madame Huppert is contrasted, a kind of acrobat ‘s selection, not really original but at least not innocently politic after some disconcerting years, one thing can be sure Isabelle Huppert had had the last word.  A quite good ending despite tension rumors between the jury members.

Prix du Jury  is an ex-aequo between Fish Tank by the already awarded for Red Road in this category Andrea Arnold, a well support for her and his grivied poetry, and also Thirst, the vampyre ‘film by Park Chan Wook, which can testimonies of divergences or just of large cinematographic horizons.

Le prix du scénario was decerned to the chinese Lu Ye for his Nuits d’ivresses printanières, a prize which is partly political, knowing it was prohibited in his country. But actually not only political, the lo-fi aestetic, and the sensualistic approach about this gay road-movie has convinced the jury.

Le prix de la mise en scéne was awarded by the very hopeful Brillante Mendoza for his violent Kinatay, which goes deeply into Manilla gangs. A well salutation after his wonderful Serbis,  for a tender film which has not affrayed the jury.

The prize of Interprétation Masculine has been given to Christoph Waltz,  for the incredible performance of Inglorious Basterds, apparently not the favourite of the pitiless Huppert, and the Interprétation Féminine for the lovely Charlotte Gainsboug, semi tunderstruck, thankful to be awarded for the contreversial film Antichrist, even if it was painful she was proud and doesn’t forget to dedicate it to the underated Lars Von Triers and finally her father Serge Gainsbourg , who she hopes would have been shocked.

An extraordinary and special prize for the doyen Alain Resnais for his ludicrous and subtile Wild Glasses. An only and lonely prize so, who reveals the uncapacity of the jury to dedicate a real award for this master, even if it belongs to a good intention, it was a mainly prize which smeels the death. At least, it was permitted to Alain Resnais to express himself, even if he has been pushed manu-militari.

The Grand Prix was winned by the french Jacques Audiard for his very expected A prophet.  Apparently the most apprecied film by the public in this Cannes edition. It was a strange dedicate where Audiard thanks too many times his producers instead of his staff, ironic or just honest,  which is certain unhorsed the Huppert.

And finally the Palme d’Or was attributed to the masterpiece White Ribbon by Michael Haneke, a choice that wil be interpreted as favoritism after the Huppert’s prize for The Piano Teacher. Haneke received his first Palme from a visibly delighted Isabelle Huppert. Happiness is a rare thing, but this is a moment in my life when I am truly happy,” Haneke said in his acceptance speech. Often qualified of cynical director it was a just consecration for the austrian in this rigourous film,  all the legacy of northern cinema is gathered in this autopsy of perversion in this protestant village at the edge of the first World War. An obvious classical choice but also the sign of return on demanding film buff.

(All Cannes Posts)

Pierre-Alexandre M

CANNES FESTIVAL # 10

In sélection Officielle was presented  an exciting project Enter the void by the singular Gaspar Noe,  after his strong Seul contre tous and Irreversible. Influenced by the demiurgic 2001 a space odyssey, Enter the void is completaly audacious, the director explores new shooting techniques and ambitious special effects to capture a young man’s journey in a film which is more closed to experience than narrative, it runs to a massive 163 minutes. In this Oscar and Linda, whose parents were killed in a car crash when they were kids — an accident that they witnessed — have been finally reunited in Japan. Alas, Oscar has become a drug addict and dealer and Linda an exotic dancer with some extra-curricular activities on the side. Oscar is sleeping with his friend’s mother, and when Alex finds out, he contrives to get Oscar killed by the police in a raid of the club they frequent.

Also in Compétition Officielle a film by Elia Suleiman about the Never-ending Story between Arabs and Jews gets another wryly humorous workout, marbled with personal sadness and mystification, in The Time That Remains, Palestinian Elia Suleiman’s third ltg of his long-in-the works trilogy on his people’s place in the modern state of Israel. Inspired by his father’s diaries, and the writer-helmer’s own memories, vignettish pic is both more rigorously fashioned and a lighter sit than “Chronicle of a Disappearance” (1996) or “Divine Intervention” (2002), coming close at times to fringe theater, with Suleiman almost an outside observer.

Pierre - Alexandre M

CANNES FESTIVAL # 09

Yesterday was presented the new Michael Haneke film (La pianiste, Benny’s videos, Funny Games) in Compétition Officielle. Immaculately crafted in beautiful black-and-white and entirely absorbing through its longish running time, Michael Haneke’s “The White Ribbon” nonetheless proves a difficult film to entirely embrace. Stressing, as usual, a conspicuously dim view of the world, the Austrian writer-director here spins a mysterious story about a series of untoward events in a rural village in pre-World War I Germany to advance the notion that malice is arguably the dominant human trait.

The second film of the day in Compétition Officielle was A l’origine by the french Xavier Gianolli (Une aventure, Les corps impatients).A true story of a stretch of asphalt rolled out by formerly jobless road workers in northern France, under the command of an impostor, blends social critique, character drama and crime into one smooth, good-looking package.

Prolific New Wave vet Luc Moullet mounts an unapologetically flimsy argument about the dangers of small-town isolation in Land of Madness presented in Un Certain Regard. Murder is a laughing matter, at least initially, in “Land of Madness,” a deadpan recitation of the multiple homicides that have occurred around France’s sparsely populated Southern Alps.

Carcasses by Denis Cote was presented in La Quinzaine des réalisateurs, observing in quotidian detail the daily tinkerings of Saint-Amable-based Jean-Paul Colmor, whose literal tons of bric-a-brac constitute a veritable museum of North American cultural detritus, “Carcasses” departs from fly-on-the-wall portraits with carefully composed and own odd assemblages, snippets of Mahler symphonies and of an abrasive punk rock tune.

Pierre-Alexandre M

CANNES FESTIVAL # 08

The only american film in the Compétition Officielle is Inglorious Basterds by Quentin Tarantino, a story about a Jewish-American revenge squad intent on killing Nazis in German-occupied France. Tarantino, one of the most exceptional choreographers of blood-ballet working today, should have wielded a cleaver to whole sections of this 154-minute non-epic. Even if several explosive scenes and the names of Tarantino and topliner Brad Pitt promise brawny commercial prospects

Also in Compétition Officielle, Alain Resnais (Hiroshima, mon amour) continues his career-long experiment in filmmaking with the playfully flamboyant melodrama Wild Grass. Based on French writer Christian Gailly’s 1996 novel “L’incident” — which recounts how a stolen wallet results in an unlikely and unrequited love affair — the story starts with the event itself and then quickly spirals out of control, taking its characters through hilarious scenarios and digressions while always maintaining a dark undertone.

In Un Certain Regard the taboo-breaking Eyes Wide Open is an intense, restrained drama about a married butcher who falls in love with a seductive younger man in Jerusalem’s insular ultra-orthodox community. Sensitively helmed feature debut by Haim Tabakman boasts a tightly structured, multi-layered script by Merav Doster, intimate lensing and strong, credible performances. Quietly devastating pic reps a natural draw for gay, Jewish-interest and upscale auds that could be exploited by fests and niche arthouse distribs in most territories.

Nevertheless La famille Wolberg by Axelle Ropert in La Quinzaine Des Réalisateurs is a complicated portrait of a family as a unit composed of individuals with different needs, desires and responsibilities comes into view. Instead, the Jewish mayor of a French provincial town desperately tries to keep his family together at all costs in Gallic scripter Axelle Ropert’s remarkable helming debut.

Pierre -Alexandre M

CANNES FESTIVAL # 07

Los Abrazos Rotos by Pedro Almodovar was presented in Compétition Officielle. Almodovar (La mala education, Todo sobre mi madre) is maybe one of the most talented contemporary cineast, immediatly and strongly cinematographic, he stages his obsession about women, passion and tragedy in his Broken Embraces. A hommage absolutely marvelous to Cinema, which mixes melodramatic mode and film noir, indeed his story is a complex mise-en-abîme, which can reminds La mala education or Mujeres al borde de un ataque de nervios. In this convoluted story, Harry Caine (Lluis Homar, ) is a blind screenwriter and former director whose real name, which he abandoned after losing his sight in a car crash, is Mateo Blanco. News arrive: the death of a corrupted stockbroker, Ernesto Martel (Jose Luis Gomez), who once produced a film that Blanco directed, “Girls and Suitcases.” Blanco’s former production manager, Judit (Blanca Portillo), who holds a candle for him, seems nervous at the news. And then a pretentious young man calling himself Ray X (Ruben Ochandiano), who turns out to be Martel’s son, asks Blanco to help write a script that’s intended as an act of vengeance against his neglectful father.

Also in Compétition Officielle, the italian movie Vincere by Marco Bellocchio who delivers the little-known story of Benito Mussolini’s ill-fated first wife and son. A false classical film about an history topic autopsied under a psycological dimension, which revealed the sensational Michela Cescon.

Tales From The Golden Age in advance of its premiere at the Cannes Film Festival yesterday in the Un Certain Regard section. The film is a collection of Romanian urban legends from the communist era, written by Mungiu and collectively directed by Ioana Uricaru, Hanno Hoefer, Razvan Marculescu, Constantin Popescu and Mungiu, actually Cristian Mingiu is the Palme d’Or winning director of 4 Months, 3 Weeks and 2 Days.

Pierre-Alexandre M